Está claro que The Beautiful Life: TBL tenía todos los boletos para ser cancelada pero, ¿realmente se merecía que le diesen la patada habiendo sólo emitido dos episodios?. Pues no. Premeditación, nocturnidad y alevosía, I say. El drama culebronesco sobre modelos en Nueva York producido por Ashton Kutcher ya olía a podrido desde Dinamarca, está claro, pues la unión de los conceptos drama + modelos + Ashton Kutcher, no puede anunciar nada bueno. Seguro que fue a él a quien se le ocurrió la brillante idea de apostillar el “The Beautiful Life” con el TBL. Pero a pesar de todos los malos augurios, la serie no estaba tan mal como para dejarnos sin saber cómo continuaba esta aventura psicotrópica de Mischa Barton en la gran manzana.

Y es que, como os podéis imaginar, yo he visto entera The Beautiful Life, o sea, sus dos episodios, y debo confesar que me quedé con ganas de ver más. La serie es apestosa, pero está tan mal hecha que es maravillosa; la cutrez es su mayor grandeza. Es que todo, desde los actores, hasta las tramas y los diálogos eran de un supino dadaísmo digno del lavabo de Duchamp. Claro que íbamos avisados porque, tal y como está el patio, tener una serie protagonizada por Mischa Barton es signo de que o bien te crees que tienes el poder resurrector de Tarantino o es que te has tomado algo. Amigos, que Mischa de pequeña quizá sí que fue una niña prodigia, pero después de verla en The O.C., ¿no aprendimos nada? Y ojo, a esta pobre mujer, le tengo la mayor de las simpatías. Por eso de apoyar al débil, supongo. Y encima se tuvo que hacer los agujeros en las orejas para interpretar su papel en The Beautiful Life, para que fuese como todas las demás. Y así le pagan, oyes.

La pobre Mischa hace años que no está bien y The Beautiful Life fue un palo más para ella. Sólo tenéis que observar los cambios que experimenta su cuerpo entre piloto y el segundo episodio. En el primero, Mischa aparece con su delgadez anorexoide habitual y en el segundo se nos presenta una Mischa más rechoncha y distraída. Y, probablemente, bajo los efectos de algún estupefaciente. Imaginaos dónde puede acabar la pobre Mischa tras esta cancelación a traición. El mundo le tiene manía.

Teniendo en cuenta que en su día emisión, el segundo episodio fue apenas capaz de reunir un millón de personas enfrente del televisor (en sus repeticiones fueron más), parece lógico que a la serie le cerraran el grifo. Pero es que no puedo dejar de pensar que estos índices de audiencia tan bajos, me parecen absolutamente random. La serie era camp a morir, pero en mi opinión, su calidad no difería mucho de la del supuesto gran éxito de la temporada en la CW, The Vampire Diaries. Ambas están hechas a base de tópicos y buenorrez. Nada nuevo. Nada grave. Dudo que se pueda hacer una serie sobre modelos en Nueva York sin sacar a la típica vieja gloria perturbada, al fotógrafo que quiere follisquearse a las modelos, la poderosa que se aprovecha de los modelos masculinos y el pueblerino que viaja a la gran ciudad para triunfar y se topa con la cruda realidad.

Total, que me parece fatal que la cancelasen de esta manera, sin darle la oportunidad ni de aguantar hasta los 13 capítulos de beneficio que les dan a la mayoría de las series canceladas. Eso sí, si se os ocurre ver los dos tristes episodios emitidos, cosa que os recomiendo por el bien de la multiculturalidad televisiva, os obsesionaréis con la idea de que rodaron cinco episodios más que nunca jamás verán la luz.

Ya que esta semana está marcada por las promos pirulachas, he decidido que así sea, y os vais a tener que comer pirulachismo por doquier. Hoy le toca el turno a The Beautiful Life, una serie a la que me he resistido a aceptar ni tan siquiera que exista. Puede ser tan bizarra, que creo que es un espejismo. Igual que me pasó con Models Inc., que era tan mala que era buena y por ello nadie la veía y yo la acabé amando. Y, además, Linda Gray era la madre de Heather Locklear y yo no entiendo mi infancia sin Sue Ellen y su borrachismo en Dallas.

Dicho esto, cabe mencionar que los primeros pósters que lanzo la CW para sus series de la nueva temporada, son lo peor que he visto en años. No sólo están cortados todos por el mismo patrón, sino que todos están cortados y pegados sobre un fondo neutro al más puro estilo Ctrl+C – Ctrl+V. ¿Y toda esa letra pequeña? Es un prospecto de laxantes, ¿o qué? Todos, Gossip Girl, Melrose Place, 90210, One Tree Hill…todos con sus literaturas y sus personajitos pegadetes uno encima del otro. Ahora que el becario de verano ya ha sido despedido, el equipo de marketing ha sacado la artillería y ha dicho: ¿Cómo podemos hacer para captar la volátil atención del público?

Pues poniendo a los actores en pelotas, por supuesto. Eso sí, entre los 4 elegidos no está Mischa Barton, que estaba ocupada en el sanatorio en la que la metieron por dios sabe qué. Ella dice que le sacaron una muela del juicio y que eso le provocó stress. Drama total. Pero no sufráis, fanes de la increíble mujer menguante, y creciente, y menguante de nuevo, ella ha vuelto. Aunque igualmente quizá no se hubiese puesto jamás sin ropa. A lo que cabe añadir que el que no entiendo que no haya posado en estos posters es Nico Tortorella. Si bien no está ni de lejos tan musculado como Corbin Bleu (adiós High School Musical) y Ben Hollingsworth, es el más guapérrimo sin duda. De hecho, ya se ha ligado a Sarah Paxton (la rubia desnuda que hay por aquí). Y si bien Tortorella es el único que cuela como modelo (de hecho es el único que lo ha sido de verdad), yo le voy a echar de menos en Make it or break it. ¿Alguien más ve esta serie, a parte de Montse y yo?

Mira que siempre he pensado que Mischa Barton es una actriz pésima, pero esto de no verla en ninguna imagen promocional me está dando pena y todo. Almenos, todo su drama de gordismo, drogoadicción y tontería en general, le ha dado más publicidad de la que se merece a este futurible bodrio producido por Ashton Kutcher; otrora modelo en sí mismo y hoy en día dedicado a las labores de ser el Sr. de Demi Moore. Que, por cierto, no va a salir en la serie de su marido como se había especulado. Algún desalmado había insinuado que interpretaría el papel de modelo viejuna ultra-operada. Cuantos envidiosos hay por el mundo, por dios. Todo el mundo sabe que Demi, a pesar de tener más de 50 y estar más buena que sus hijas, no se ha operado nada. Ella sólo toma baños tibios en sangre de cabra virgen.

Gracias a los avances de la cultura digital, he tenido acceso a una joya de esas que voy a guardar como oro en paño y dejaré en herencia a mi nieto favorito. Kindred, the embraced, o Secta de Sangre, como la llamaron en España, fue una de esas series que FOX nos arrebató demasiado pronto, con tan solo 8 episodios emitidos. Otra de las múltiples maravillosidades de esta serie, es que fue producida por Aaron Spelling y Duke Vincent, los reyes del culebronismo del siglo XX. Y lo mejor de todo es que es una serie de vampiros. No, esperad, lo mejor mejor de todo es que la serie se basó en uno de los juego de rol más populares de la época, Kindred, the masquerade. No me diréis que esta combinación no huele a oro puro.

Uno de los problemas iniciales de la serie, es que su capitulo piloto es un tanto confuso. Es difícil pillar a qué clan vampírico pertenece cada personaje, qué motivaciones tiene cada uno y, por encima de todo, quién narices es el protagonista. Por suerte, a partir del segundo episodio todo queda más claro, principalmente porque se dieron cuenta de que el protagonista no tenía que ser C. Thomas Howell (soso oficial del Brat Pack), sino que el que robaba todas las escenas descaradamente era Mark Frankel. Así que decidieron que el motor principal de la serie no sería el policía que quiere desenmascarar a la secta vampírica, sino el Príncipe de los Vampiros en persona. Y es que Mark Frankel tenía todos los ingredientes para convertirse en uno de los machirulos más famosos de Hollywood y además, como no, Julian, en el fondo, es un vampiro bueno, o sea que él es la ley y si hay que matar se mata, pero no gratuitamente. Pues aquí lo importante es preservar la mascarada (sus tapaderas humanas) y, claro, también el folleteo.

Y es que, lo que despierta más interés en la serie son las relaciones entre los clanes, sus peleas varias y los escarceos amorosos de Julian Luna, el príncipe de los vampiros de San Francisco. Porque Julian es como Bill Compton en True Blood o Mick St. John en Moonlight, pues se enamora de una rubia espabilada y humana, dispuesta a que él beba de su sangre. En Kindred, la susodicha amante es la gran Kelly Rutherford, quien aparece con unas cejas más oscuras que la noche murciana. Y aunque le cancelasen la serie, la jugada le salió bien, pues Aaron Spelling decidió darle el papel que la hizo famosa, el de Megan Lewis, prostituta de buen corazón en Melrose Place.

Supongo que en esa época, el mundo todavía no estaba preparado para lo que se comparó a una mezcla entre El Padrino y Melrose Place, porque la serie se vio cancelada abruptamente. De todos modos, Showtime vio el potencial de tamaña locura y quiso retomarla para emitirla por cable, aunque la repentina muerte de Mark Frankel en un accidente de moto vio truncados estos planes. Una pena, señores, por ambos sucesos, claro. Porque la serie tenía mucho potencial, aunque si la veis ahora os puede parecer una locura psicotrópica, pero no mucho más que cualquier serie sobre vampiros, como las que están tan de moda hoy en día.

Os confieso que al revisionar la serie, me vi los 8 capítulos del tirón. A lo loco. Y es que la serie está muy bien para ser de 1996 y, los que añoramos a Aaron Spelling y sus tramas folletinescas, disfrutamos de este tipo de productos de fácil consumición. Y porque Showtime no era lo que es ahora, pero si Mark Frankel no hubiese muerto, seguramente la serie podría haber dejado las calenturas de True Blood a la altura del betún, porque, a mí entender, Frankel y Rutherford son muchísimo estaban muchísimo más buenos que Anna Paquin y Stephen Moyer; dónde vas a parar.

¿Por qué todas se acaban rajando las venas para que ellos beban de su sangre?

Con tantos rumores de estás cancelada, ahora no, quizá sí, pero Brooke Shields dice que no, he retomado la relación que tenía un tanto olvidada con Lipstick Jungle. Y la verdad es que me he divertido. Ya sabíamos de antemano que no sería nada nuevo pero, qué queréis que os diga, me parece hasta entrañable y me he reencontrado con Brooke Shields, una vieja amiga que no veía desde esa muy aceptable sitcom que fue De repente Susan.

Al haberme leído el libro homónimo en el que la serie está basada, me asusté de que quizá las tramas se agotarían y que la serie no pasaría de su primera temporada, que sólo cuenta con 7 episodios. Puesto que no cancelaron la serie, modificaron convincentemente algunas tramas para que la historia continuase. a pesar de los bajos ratings que estaba teniendo, cuando saltaron los rumores de que la serie sería cancelada, las audiencias mejoraron un 50%, y por ello la NBC dejó la decisión en stand-by. Lipstick Jungle se encuentra ahora en el maravilloso limbo de las series: no está renovada pero tampoco está cancelada, así que perhaps, perhaps, perhaps.

Lipstick Jungle es una de estas dramedias que ha sabido encontrar el equilibrio entre el drama y la comedia y que ha tenido ojo a la hora de elegir a los actores. Brooke Shields, Kim Raver y Lindsay Price interpretan a las tres mujeres protagonistas con mucha dignidad, pero son los hombres que han escogido para acompañarlas los que me han sorprendido más. Por supuesto, nunca les estaré lo suficientemente agradecida de que nos hayan devuelto a Andrew McCarthy para interpretar al ultra-millonario Joe Bennet. Aunque el descubrimiento estelar ha sido el del ultra-cachoso Robert Buckley, quien interpreta al joven amante de Nico Reilly, quien no es mi tipo pero que está destinado a calentaros las noches de invierno. Yo le veo como una versión más fea y anabolizada de Scott Speedman.

Otra de las apuestas de la NBC para la segunda temporada de la serie fue rellenar su cast de caras conocidas. Desde emplear a James Lesure y Vanessa Marcil, quienes se quedaron en el paro tras la cancelación de Las Vegas, a redescubrir a Rosie Pérez o contratar a Mary Tyler-Moore, una de las grandes de la televisión, para interpretar a la madre ficticia de Brooke Shields.

La series sencilla pero efectiva. Hay folleteos, puñaladas traperas, New Cork City, vestidos chachis, complementos pirulis y, claro, Lindsay Price y Andy McCarthy, que me encantan como pareja. Sé que las audiencias mandan, pero es tan triste ver marcharse a tus series queridos… y yo le había cogido cariño, narices.

Se ve que este año la NBC va fuerte. Por la mañana leía sus planes de implantar el ecologismo en sus programas y por la tarde me encontraba con la noticia de que había empuñado el hacha de las cancelaciones y empezaba a cortar cabezas.

Su campaña Green is Universal había tomado la iniciativa de convertir a tres de sus programas en producciones libres de contaminantes. Por ejemplo, en Saturday Night Live, han empezado a reciclar exhaustivamente, empezando por cambiar los focos por LEDs en el plató, reduciendo el uso de aguas embotelladas y reutilizando sobre 1000 tarjetas de diálogo cada semana. El equipo de Nightly News ha tomado medidas similares.

Pero la producción que realmente iba a servir como prueba piloto era de de Lipstick Jungle, con quien a parte de un programa de reciclaje, se habían planteado usar empresas de catering locales con productos y manipulación orgánicos, usar utensilios biodegradables y en ciertos casos menaje permanente, evitar el agua embotellada, usar vehículos híbridos para el transporte, usando también carburantes alternativos y donar el 75% de las maderas del set de rodaje a organizaciones sin ánimo de lucro.

Claro que ahora tendrán que buscar otra serie en la que testear sus buenos propósitos, porque el jueves anunciaron la cancelación de Lipstick Jungle. La noticia no me ha extrañado nada, pues me sorprendió mucho más que la renovasen la temporada pasada. La serie no está mal para pasar un rato, pero para aquellos que buscan series con contenido o que, al menos, pase algo, no hace falta perder el tiempo con ella. Pero tranquilos que, aunque la NBC haya decidido cerrar el grifo a las mujeres de Manhattan, nosotras aún nos acordamos que tenemos un sorteos de dos libros pendiente.

La que también se rumorea que ha dejado de satisfacer las exigencias de la NBC es My own worst enemy, la anunciada vuelta de Christian Slater a la televisión y obra target=_blankdel creador de la última Bionic Woman (no digo más). Que digo yo que el Slater se podría haber estudiado más el proyecto en el que se metía, porque desde el momento que leí la sinopsis de la serie, ya me olió a chamusquina pura. Un señor que lleva una doble vida y que ni él mismo lo sabe, es un rizo demasiado rizado y ni armas supersecretas ni organizaciones ultrachungas pueden soportar un argumento tan enrevesado y una ejecución tan mediocre. Ojo, la serie bebe de fuentes de inpiración cinematrográfica que han tenido relativo éxito, pero es que la serie no hay por dónde cogerla.

El rumor que sí me ha sorprendido es el de la posible cancelación de Pushing Daisies, porque ¿no decían que era la mejor serie de la pasada temporada? Ya sabéis que yo siempre diré que la mejor fue Gossip Girl, pero Pushing Daisies es una serie bien hecha y muy diferente a las demás. No sé si a la ABC le resulta demasiado cara de producir para las irregulares audiencias que tiene, pero lo que si que es seguro es que los 13 capítulos que tenían firmaos están a punto de acabarse y la cadena aún no ha dado señales de vida. Pero los fans pueden consolarse con que Bryan Fuller, otro series killer del copón, ha dicho que si la serie fuese cancelada, seguramente la historia volvería en forma de película y más probablemente de comic.

En el fondo, la cancelación es otra forma de salvar el medio ambiente y ahorrarte muchos dineros, pero yo me voy a orar por que a la NBC no le de or implantar la conciencia ecológica en el plató de 30 Rock, porque ahora mismo no podría soportar dejar de ver a mi Liz Lemmon y a mi Jack Donaghy.

Si la huelga no me había cabreado lo suficiente, ahora las cadenas están aprovechando para cerrar el grifo a algunas series, a ver si cuela como efectos colaterales de la huelga. ¡Pues no cuela!

Las networks están cancelando series con nocturnidad y alevosía, a traición. Porque una cosa es que canceles los truños a los que se te ha ocurrió dar luz verde tras una noche de juegos con setas alucinógenas y otra muy diferente que dejes al fiel público con cara de bobo al cancelar series sin final.

La última en caer ha sido nuestra querida Men in Trees de la mano despiadada de la ABC. Nunca la habían tratado muy bien, la verdad, y en nunca he estado segura de en qué momento podría ver el siguiente capítulo de la serie. Con los últimos capítulos ya estaban haciendo un movimiento de parrilla peligroso, que no podía ser más que un aviso de que algo olía a podrido en Dinamarca. O, al menos en Elmo.

La serie es una dramedia romántica de lo más entrañable, a medio camino entre Everwood y Doctor en Alaska, de esas a las que no le pides mucho y te reconfortan el alma. Un buen momento para reconciliarse con Anne Heche y con el mundo en general. Esta me ha dolido.

La primera en la frente me la metieron con Las Vegas. Los malos augurios llegaron cuando nos dijeron que mi amadísimo James Caan abandonaba el Montecito, pero respiramos tranquilos al ver que el mítico Tom Selleck venía a nuestro rescate. La NBC decidió que la serie no retomaría el rodaje de más episodios una vez terminada la huelga, a pesar de que el último capítulo acabó con un cliffhanger. Por mucho que los fans hayan intentado enviar pañaletes (por lo del bebé que va a nacer) a la NBC, el creador de la serie ya ha comentado que la serie no va a volver y que, lamentablemente ese cliffhanger acaba en un To be continued… porque era la primera parte de un episodio doble. Cutre. Muy cutre, NBC.

Muchas otras han recibido la sorpresa de que su serie no volvería a emitirse jamás: Los 4400, La Zona Muerta, Big Shots, Cane… Ya me imagino la cara que se les debe haber quedado a esos actores que se dedicaban a pasear palmito por el piquete esperando volver al trabajo pronto.

¡Y pensar que casi nos quedamos sin Friday Night Lights! Yo ya no gano para sustos. Aún no sé qué piensa hacer la CBS con Shark, uno de mis placeres culpables y, como siempre, aún no sabemos qué narices piensan hacer al final con Cómo conocí a vuestra madre. Cada año tienen que dar la nota con esta serie, de lo mejor que tienen y de lo que menos valora. Por muy extraño que me parezca pronunciar esta frase: la aparición de Britney Spears nos tiene que dar fe.

Hace un tiempo cayó en mis manos un libro llamado Confesiones de un chef, un best-seller escrito por un cocinero loco llamado Anthony Bourdain. El tío era alcohólico, drogadicto y putero. Lo mejor del tema es que el libro era autobiográfico. Gracias a Darren Star, Kitchen Confidential se convirtió en una sitcom, cambiaron a Anthony Bourdain por Jack Bourdain y le pusieron la cara (y el cuerpo) de Bradley Cooper.

Hasta ahí todo bien, pero emitirse en FOX es lo que tiene. Pues, si yo tuviese una serie que se fuese a emitir en FOX, lo primero que haría sería echarme las manos al rosario y encomendarme a la virgen más cercana. Y si encima me dijesen que la protagonizarían Nathan Fillion y Christopher Gorham tendría que empezar a llamar al INEM para que me guardasen sitio en la cola. La serie fue cancelada en un tiempo record de 4 capítulos.

Gracias a los dioses del DVD, tenemos disponibles los 13 episodios que se rodaron de esta pequeña serie that could have been y que nos ofrece una mirada dentro de la cocina del chef Jack Bourdain, a quien le ofrecen una segunda oportunidad para redimir su carrera, después de haberse esnifado, bebido y fornicado la primera. Para convertir al Nolita en el mejor restaurante de Nueva York, Bourdain tiene que contratar a los mejores. Claro que los mejores resultan ser sospechosos habituales del bebercio y la mala vida, sobre todo Steven Daedalus (Owain Yeoman) y Seth Richman (Nicholas Brendon). La nemesis de de Jack es la hija del dueño, Mimi, interpretada por Bonnie Sommerville, persona nula de carisma, con lo cual, incapaz de hacer de nemesis de nadie.

Era una sitcom bien ejecutada que cumplía su función mucho mejor que tostones como Dos hombres y medio, que no descansaré hasta que la cancelen. Ninguno de los actores era un A-list pero cada uno estaba bien en su papel, hasta la ciclotímica de Bonnie. Ni la aparición estelar de Michael Vartan pudo remontar los medicores ratings de Kitchen Confidential, otra más de las series dignas que la FOX se pasó por el forro del chaleco. Claro que en el episodio, Michael Vartan se enrollaba con Choni Sommerville y eso, sin duda, es motivo de un jumpsharkismo del copón.

Cuando empezaron a trabajar en la adaptación del libro de Anthony Bourdain, no estaban pensando exactamente en una sitcom, si no que la idea original era hacer una película llamada Seared (“Chamuscado”), dirigida por David Fincher y protagonizada por Brad Pitt. Y, aunque me hubiese encantado verlo, me cuesta imaginar qué narices hubiesen hecho. Aunque si lo pienso bien, una versión de Fight Club en la cocina de Bourdain no me parece tan descabellada.

Sexo, drogas, fillet mignon y unos egos más grandes que su cocina. Esos elementos hacían de Kitchen Confidential una buena sitcom que podría haber completado una maravillosa temporada en otra cadena donde apreciasen un poquito más la series y un poquito menos los realities. Almas caritativas, dadle trabajo al pobre Bradley, que la última vez que tuvo un disgusto de estos se me casó con Jennifer Esposito y mira cómo acabó.

Como sabréis, nunca me acabó de convencer el planteamiento de “Big Shots” aunque, por razones obvias, le íbamos a dar una oportunidad a pesar desde el principio se levantaron las primeras voces de alarma contra el piloto de la serie. No es de extrañar que haya sido apartada de la parilla tras emitir tan sólo 8 episodios y tener una audiencia pésima a pesar de ser emitida los jueves después de “Grey’s Anatomy”.

¿Qué es lo que puede haber fallado teniendo a cuatro pesos pesados como protagonistas? En el piloto, el personaje de Dylan McDermott dice algo así como “Men are the new Women” y creo que, en este error de base, subyace el problema más grande de “Big Shots”. Porque, en realidad, al mundo no le interesa que los hombres se comporten como mujeres y menos cuatro ejecutivos agresivos que se supone que dominan el mundo. Está bien ver a los maridos de “Mujeres Desesperadas” ocupar un segundo plano, pero cuesta engancharse a unos protagonistas masculinos errantes y faltos de carisma.

Y ya que hablamos del tema, os confieso que estoy altamente preocupada por Michael Vartan y su flojera en pantalla. Sabéis que Michael siempre ha estado en nuestras listas más cochinas, pero es que su falta se carisma me hace pensar en que en “Alias” nos tomaron el pelo. JeyJey, por qué eres tan bueno que eres capaz de convertir a un besugo en un sex-symbol. Y lo siento mucho también por Joshua Malina, quien acostumbra a interpretar perfectamente a secundarios entrañables, pero no hay quien se lo crea como yupi rompebragas.

Sin lugar a sudas, el que se lleva el gato a agua es Dylan McDermott, a quien le sienta genial el papel de cabrón encantador. Sin quererlo sus historias se convierten en las más interesantes y su Duncan Colinsworth consigue las simpatías del espectador a pesar de ser un tío bastante lamentable. Y la sorpresa es Christopher Titus, un cómico poco conocido en España, muy acertado en su papel de confidente cachondo y solucionador de problemas. Es quizá el personaje al que han dado menos relevancia de los cuatro y el que más gracia me hace a mí.

La mujeres de “Big Shots” fracasan estrepitosamente, siendo las únicas que despiertan un mínimo interés la mujer y la hija de Dylan McDermott, porque lo que son las de Michael Vartan, hay momentos en que dan hasta vengüenza ajena. Wendy Moniz me ha demostrado que la cara de besuguina que tenía en “El Guardián” no sólo estaba a la altura de la sosez de Simon Baker, si no que la hace extensiva a toda su interpretación. Menudo sopor. Y bueno, para fin de fiesta, que Nia Long se enrolle con Michael Vartan es tan creíble como que Lorelai Gilmore se cuelgue de Hiro Nakamura.

Pero aunque las historias de estos cuatro no hay por dónde cogerlas, también creo que ha sido muy exagerada toda la reacción negativa que ha despertado la serie. Que apesta, vamos, pero no es para tanto. No es lo peor que ha hecho la ABC esta temporada, recordemos que se atrevieron a hacer “Cavemen”. Lamentablemente, es una serie muy difícil de remontar, ya que no deja de basarse en unos pilares culebronescos que difícilmente funcionarán con cuatro personajes que tienen menos carisma que Harriet Hayes en “Studio 60”.

Dicho esto, y como voy a ver los dos últimos capítulos que les quedan por emitir porque, a todas estas, hasta les había cogido cariño, con “Big Shots” yo me hubiese decantado más por el dramedy de 25 minutos tipo “Samantha, who?” que por el sopor que puedes causar con un metraje de 40 minutos. Y, sobretodo, le hubiese cambiado el nombre ya que, siento decirlo, pero “Big Shots” recuerda demasiado a la práctica de ciertas actividades licenciosas con poca acogida en el prime-time.

Gracias a la compra masiva de series americanas de la teles españolas, me he decidido a ver “The Black Donnellys” y, desde que empecé que tengo la mosca detrás de la oreja. Aún estoy por decidir qué me parece la serie y su posterior cancelación.

De entrada, la compra de esta serie por parte de la NBC es totalmente incomprensible, a la par que incorrecta. La temática, el tratamiento, la imagen, el guión y todo lo que se os ocurra, es difícil de creer que lo emita una cadena como la NBC. Así que la cancelación era más que previsible. No es de extrañar que, una vez cancelada, las hordas de fans clamasen al cielo por que la HBO se hiciese cargo de los huérfanos Donnelly, pues la HBO es donde deberían haber estado desde un buen principio.

Puedo imaginarme a los directivos de la NBC recibiendo el proyecto de Paul Haggis, después de ganar un Oscar, con los brazos abiertos:

-NBC- Hola Paul, ¿qué vienes a presentarnos?
-PH- Pues nada, un proyectillo sobre unos hermanos irlandeses.
-NBC- Ay, qué bonito. ¿Y será como “Crash” o como “Walker Texas Ranger”?
-PH- Bueno, un poco de todo. Hay peleas…
-NBC- Pero será todo muy poético ¿no?
-PH- Hombre, cuando hay sangre hago uso del claroscuro…
-NBC- Tú tienes dos Oscar, ¿no? Pues tira p’alante Manolete, que nos forramos.

Desde que emitieron el piloto, ya vieron que algo no iba bien. Que allí moría hasta el apuntador y, de paso, le veíamos el hígado, el bazo y el intestino delgado. Porque, una serie de la que no te atreves a emitir el tercer episodio porque la violencia es demasiado explícita, (y lo emites por Internet) es el acabose. Yo sigo pensando que no es por la violencia si no porque el capítulo se llamaba “Dios es un cómico” y desde que vimos “Studio 60”, ya sabemos que a los anunciantes de la América interior no les gusta que se bromee con Dios.

Jimmy, Tommy, Kevin y Sean Donelly son la versión joven y callejera de Los Soprano, intentando sobrevivir en Hell’s Kitchen. Sin darse cuenta se van metiendo en follones cada vez más grandes y, no nos vamos a engañar, sus vidas son una mierda como una catedral pero es que ellos son más tontos que pichote. La historia está narrada por Joey “Ice Cream”, un unrealiable narrator al estilo Henry James, que aún le da más empaque gafapástico a la obra de Haggis. Guiones elaborados, interpretaciones outsiders e iluminación artística, hacen de esta serie, un producto imposible de programar para el gran consumo.

Yo la voy viendo poco a poco porque, a pesar de que me ponen todos exageradamente nerviosa, le he cogido un cariño especial a Tommy (Jonathan Tucker) y a Kevin (Billy Lush). De todos modos, no os recomiendo ver la serie si no sois o teligiosos ortodoxos aviesos de engullirlo todo o gafapastas irredentos con ganas de fardar más que nadie. De lo contrario, corréis el riesgo de sentir que estáis perdiendo un poco el tiempo.

Por cierto, he sido incapaz de encontrar un video con la breve carátula de la serie que me parece de lo mejor que he visto en mucho tiempo. Con sangre y tiros incluídos. Y con el último tiro, fundido a negro. Arte y ensayo puro. Paul, eres un incomprendido.

“Raquel busca su sitio” es, de lejos, la mayor injusticia que ha cometido Televisión Española jamás. En la temporada 1999-2000, TVE contrató a todos los actores disponibles de la lista y se lanzó a crear una serie que calaría hondo en los corazones de los teligiosos españoles. Aunque fue la primera edición de Gran Hermano la que se llevó el gato al agua.

No soy consciente de haber visto en su momento los 25 capítulos de los que consta la serie, entre otras cosas verbigracia al departamento de programación de TVE y su tendencia al libre albedrío y la nocturnidad. Gracias a las almas caritivas que poblan Internet, ahora la he podido ver entera. No os voy a engañar, la serie es de lo mejor que se ha hecho en este país, pero los capítulos se hacen más largos que un día sin pan. Hasta que en España no se empiecen a respetar los tiempos y los horarios, vamos a seguir teniendo una televisión bananera. Una sitcom no dura 50 minutos y un drama, por descontado, ¡no puede durar 1h15 minutos!

“Raquel busca su sitio” narraba las peripecias de Raquel (una Leonor Watling debutante), que aterriza en Madrid con una carrera de Trabajo Social y ninguna experiencia laboral. Allí se topa con el típico centro social enrollado plagado de personajes que necesitan y merecen (por supuesto) ser ayudados. Ineludiblemente hay un hombre, Manuel (Nancho Novo), de quien se enamora, pero este esta prometido con Quela (Cayetana Guillén Cuervo), la directora del centro. Y después está David (Javier Albalá), ex-amigo de Manuel, enamorado de Quela y después de Raquel. Resumiendo: tenemos folleteo en la oficina.

Dejando de lado el hecho de que nunca entenderé como Nancho Novo puede ser considerado como el galán arrebatador en ningún lado, el elenco actoral de la serie era inmejorable. El guión era bastante digno y aunque las tramas eran altamente previsibles y azucaradas, no se podía esperar menos de una serie centrada en el mundo de la asistencia social. Maltratos, inmigración y menores con problemas, poblaban el día a día de estos jipis llenos de alegría y amor al prójimo.

Una de las novedades más destacables de esta serie fue su uso de la música. La maravillosa canción de cabecera, “Raquel” de David Broza y Jorge Drexler, se coló para siempre en mi vida. Al final de cada capítulo un cantante diferente re-interpretaba la canción a su manera en el bar habitual de la serie, pero no era algo metido con calzador, al más puro estilo de la factoría Spelling, si no que era algo escueto y bonito mientras danzaban los títulos de crédito.

Una gran serie que pudo haber sido y es en el corazón del teligioso ortodoxo patrio. No os diré que es una serie imprescindible y que ya os podéis poner a verla si no queréis arder en el infierno teléfilo. Fue una serie imprescindible en su momento. Uno de esos momentos brillantes que Televisión Española tiene una vez cada década.

Gracias a las almas caritativas de TusSeries, este verano he podido disfrutar de una de las múltiples cagadas de FOX, nuestra cadena amiga. “Miss Match” duró exactamente 7 episodios en antena aunque, afortunadamente podemos disfrutar de 17 capítulos en español. Con “Miss Match” se hace más necesario que nunca decir: “Colega, ¿dónde està mi serie?”

En “Miss Match” seguimos las aventuras de Kate Fox (Alicia Silverstone), una abogada matrimonial pizpireta que tiene un don especial haciendo de celestina. Es tal su maña para juntar parejas que acaba convirtiendo la afición en negocio y cada capítulo de la serie, muestra un caso del bufete y un caso parejil de Kate y su excéntrica clientela. Evidentemente ambos casos acaban teniendo conexiones con la propia vida de Kate, quien también está soltera y entera.

Los guiones son frescos y nada azucarados, así que dejad de lado cualquier prejuicio que podáis tener contra una serie, supuestamente, de temática amorosa. “Miss Match” es una comedia bien hilvanada que se hace sorprendentemente amena y que consigue entretenernos sin grandes aspiraciones.

Yo fui la primera sorprendida de que me gustase una serie protagonizada por Alicia Silverstone. Me reconozco fan de “Fuera de Onda”, por supuesto, aunque con los años me he ido distanciando de esta eterna jovenzuela con tendencia a poner una molesta boca de pato al esbozar una sonrisa. Pero aquí Alicia es la persona ideal para interpretar a Kate, una mujer divertida y dicharachera, a la que es fácil cogerle cariño e interesarse por su curiosa vida sentimental/laboral.

Cuenta con un cast excepcional, empezando por Ryan O’Neal, quien interpreta a Jerry Fox, el padre faldero y jefe de Kate. Aunque el personaje que se me acabó ganando es el de Nick Paine, el compañero trepa del bufete de Kate, interpretado por James Roday, famoso ahora por su papel en “Psych”. Y claro, también está Lake Bell, que interpreta a la típica mejor amiga follonera que la ayuda en sus misiones emparejadoras, pues es camarera del bar que frecuentan los personajes.

Desde el principio vemos claro que hay un hombre que acabará liándose con Kate, y durante mucho tiempo pensamos que es su hombre ideal. Este es David Conrad, el marido de la insoportable Melinda Gordon de “Ghost Whisperer”. Pero en los últimos capítulos de la serie aparece otro macho alfa que hace tambalear la inestabilidad de la pareja. Este es, tachán, tachán: ¡Nathan Fillion! Aquí Fillion alcanza unas cotas de serieskillerismo insospechadas: ¡cancelaron la serie antes de que emitiesen los capítulos que salía él!

Otra de las maravillas de esta serie, son los actores que van haciendo cameos en cada capítulo. Quizá sea porque la serie es de 2003, pero no sabéis lo que llega a molar ver pasar a Josh Radnor (“How I met your mother”), Bradley Cooper (“Alias”) con quien se lía y todo, Daniel Dae-Kim (“Lost”), Dina Meyer (“Starship Troopers”), Kerr Smith (“Dawson’s Creek”) y, la mejor, una Carisma Carpenter (“Buffy”), inconmensurable en un paper recurrente en la serie.

Así que si tenéis un ratito, no os perdáis estos míseros 17 capítulos de esta serie que “podría haber sido”. Dicen que hay 18 pero yo nunca he visto más de 17 y, además, al finalizar el último te puedes llegar a imaginar que le han dado un final a la serie. Pues, a pesar de que queda todo bastante abierto, nos podemos hacer la falacia de que eso era un final digno. O eso, o es que yo tengo una imaginación prodigiosa.

Niños, hoy vamos a aprender una de las operaciones básicas de la televisión actual:

Creo que uno de los secretos imprescindibles para que una serie funcione es que no la cancelen cuando aún no han acabado de salir las letras de crédito. Pues la Fox, en un alarde más de su capacidad cagadora, ha cancelado “Drive” después de tres semanas en antena. Y, ¿qué es lo peor de todo? Que yo me he enganchado terriblemente. Y, peor aún, me han dejado en un pedazo de cliffhanger que no se si dejarme las venas largas o ir a ligarme a Tim Minear a ver si me cuenta algo.

“Drive” es está bien rodada, es original en su planteamiento de una situación tan manida como las carreras, nos convence para decantarnos una vez más por las conspiranoias y te hace subir la adrenalina como pocas series coniguen. Nathan Fillion nos ofrece una interpretación en la línea del capitán Malcolm Reynolds, pero oye, aunque no tenga grandes registros, eso siempre es reconfortante. Eso sí, aunque lleve puesto siempre ese rictus de mandíbula prominente, tenemos que reconocer que Fillion tiene un carisma impresionante que pone de manifiesto el poco carisma del que disponen el resto de los actores, con la excepción quizá de Kevin Alejandro o Dylan Baker.

Querido Tim, sé que debéis tener muchos papeles firmados de por medio pero, envía a tus abogados a intentar zafarte de Fox, porque, está claro que estos ilusos no entienden tu arte (“Firefly“, “Waterfalls“, “Standoff“). Y oye, plantéate también que quizá Nathan, desde la estimación te lo digo, es un gafe del copón y medio. Porque, no sé si lo sabíais pero en el primer piloto que se rodó, Alex Tully no era Nathan Fillion, si no que el personaje era interpretado por Ivan Sergei. Bueno, de hecho cambiaron a casi todos los actores. No fue muy buena señal, la verdad.

Pero, narices, quiero quejarme. Quiero quejarme mucho. Es una buena serie. Una de esas series a las que sólo le pides constancia y emoción. No dista mucho de lo que podemos sentir por otros productos de Fox como “Prison Break” o “24“. De hecho no tiene nada que envidiarles, la verdad. Aunque claro, pensándolo bien, yo nunca vendería mi serie a una cadena como Fox. Una cadena que es especialista en realities, que debe el grueso de su audiencia a programas como “American Idol” o “Big Brother“. Grandes incongruencias de una cadena a la que tenemos que agradecer grandezas como “Los Simpson” o “Padre de familia“, pero a la que nunca perdonaré por cosas como estas. ¿Pero no véis, locos de la vida, que el pobre Tim no va a poder superar otra debacle como esta?

Mi pena más grande ahora mismo es no podérosla recomendar encarecidamente. Porque, ¿qué sentido tiene ver tan sólo 4 capítulos de una serie? Sí, vale, en verano van a emitir dos más pero, ¿y qué? Mis ilusiones ya están pisoteadas por 30 folklóricas pantojistas. Si sois de los que, como yo, amáis la tele por encima de todas las cosas, echadle un vistazo cuando tengáis un momento. Seréis uno de esos pocos afortunados que se comen colas de tres horas para ver un cuadro recuperado de Van Gogh por el simple placer de la experiencia estética intangible.

Os dejo un video con los primeros minutos de la serie para los que no van a perder su tiempo en bajársela. Al menos, podréis decir que vistéis unos minutos de “Drive“, un tanto por ciento bastante elevado de los minutos que se mantuvo en antena.

Si eres Joss Whedon y te cancelan una serie fantástica en todos los sentidos después de haberla maltratado hasta la saciedad, tienes dos opciones no necesariamente incompatibles: a) cabrearte, b) esperar a que los escasos catorce capítulos que te dejaron rodar se conviertan en un producto de culto.

El hombre que convirtió a una cheerleader en la “cazadora” e infestó el instituto de vampiros tenía en mente un western estelar, ¿extraño?, vale, si el instituto puede ser, literalmente, el infierno, ¿por qué el espacio no puede convertirse en el salvaje oeste? La diferencia es que esta vez no había adolescentes (al menos tantos adolescentes) y sí una nave espacial “cabalgando” por ahí al margen de la ley con pasajeros/forajidos atrapados en situaciones, sentimientos o convenciones tan eternos como actuales y escapando constantemente de las garras de una alianza estelar erigida como ganadora tras una macro gerra civil.

Malcolm Reynolds (Nathan Fillion) es el capitán de la nave Serenity (tipo Firefly) y la personificación del antihéroe. Combatiente convertido en traficante después de perder una guerra, es siempre consecuente con sus propios valores y eterno protector de su tripulación, compuesta por la buenorra Zoe (Gina Torres), su mano derecha dentro y fuera de cualquier campo de batalla; Wash (Alan Tudyk) freaky súper piloto y amante esposo de Zoe; Jayne (Adam Baldwin), malo malote generador de conflictos pero, oye, entrañable; Kaylee (Jewel Staite), la dulce y encantadora mecánica capaz de arreglarlo prácticamente todo; Inara (Morena Baccarin), “acompañante” experta en las artes del sexo, el placer y la seducción a la que Malcolm insiste en llamar “puta” de la misma forma que los niños fastidian a las chicas que les gustan; el pastor Book (Ron Glass), con un pasado que difícilmente encaja con la vida de pastor, y Simon Tam (Sean Maher), dedicado enteramente a la protección de su hermana River (Summer Glau), adolescente superdotada, entre autista y esquizofrénica pero con extraños poderes y que además es la única forajida real de Firefly, la única a la que realmente buscan y la única peligrosa para la Alianza.

La tripulación de la nave Serenity se gana la vida con el contrabando y bandolerismos varios en los bordes exteriores de la galaxia, lugares alejados de la civilización y hasta olvidados por ésta, donde se encuentran con frecuencia con otros malotes que también intentan sobrevivir o con los Reavers, humanos tan enloquecidos que se han convertido en bestias únicamente capaces de violar, torturar, matar y alimentarse de sus víctimas.

Con una puesta en escena impecable y unos guiones memorablemente whedonianos, tampoco pueden negarse algunos puntos débiles en Firefly, pero seguramente fue el maltrato de los chicos de FOX lo que la llevó al fracaso, cancelación y posterior éxito en DVD.

Para empezar, el primer piloto fue rechazado por los FOXies obligando a Joss Whedon y Tim Minear a escribir un guión nuevo durante el fin de semana… uf, que por mucho talento que tengas, un fin de semana son 48 horas. El resultado fue que el primer capítulo, el que hace que sigas viendo o no una serie, sí tenía los elementos efectistas que FOX exigía, pero ni enganchaba ni presentaba correctamente a los personajes. Posteriormente, como seguían en racha, los chicos de FOX continuaron emitiendo los episodios desordenados o directamente no los pasaban para poner baseball en su lugar.

Vale, entiendo que la ciencia ficción es un género difícil para las grandes audiencias en televisión, y seguramente Firefly nunca habría sido el hit de la temporada, pero ¡frak! Se merecía más capítulos.

No se emitieron más que catorce episocios alimentando así el mito Firefly y convirtiéndola en una serie de culto que revivió con las ventas en DVD, tanto, que se rodó la película Serenity pretendiendo, entre otras cosas, concluir la serie. Con la extraña River como protagonista, Serenity pierde mucho de lo extraordinario de Firefly. Aunque resuelve varios enigmas, no convence en algunos aspectos, especialmente con la decisión de cargarse algún que otro personaje. Aún así, Serenity también es una película de culto que será recordada, entre otras, por ser la primera disponible en las redes p2p para descargarla en alta definición.

Yo me quedo con Firefly, su mundo destartalado, su sentido del humor y su fantástica banda sonora. Os dejo con la cabecera, que la disfrutéis.

Hace tiempo descubrí un neologismo televisivo que me fascinó: la fanesia. La fanesia es el acrónimo de fan y amnesia, y es de lo más útil para describir cantidad de situaciones en las que nos encontramos los teligiosos ortodoxos. El caso de “Felicity” es de los más flagrantes de fanesia por mi parte. No es que me quiera olvidar de un hecho concreto de la serie, es que me gustaría olvidarme de dos temporadas enteras, y en el caso de la última, lo que conseguido. Para mí, nunca existió. Bajo esta premisa voy a intentar trasmitiros mis sensaciones sobre la primera incursión de JJ Abrams en el maravilloso mundo de la televisión.

Tras una entrada triunfan en la WB en 1998, arrasó en todos los premio posibles, siendo un éxito rotundo de público y crítica. La temporada siguiente los ratings empezaron a descender y los ejecutivos de la WB culparon de ello al drástico corte de pelo de la protagonista. Llegaron tantos mails y cartas de protesta a la cadena, que la WB emitió un comunicado diciendo que “Nadie se va a cortar el pelo otra vez en esta cadena, sin aprobación”. Seguramente fue una coincidencia con su cambio de programación a la noche de los domingos, pero el efecto del peinado de “Felicity”, fue sin duda, el principio de muchos cambios que llevarían a la serie por caminos de arenas movedizas.

Abrams posee un don que es, a su vez, un arma de doble filo: tiene una capacidad asombrosa de renovarse. El cambio es peligroso pues, aunque necesario, a la gente le cuesta adaptarse a él y más si lo que se está cambiando es algo cercano, familiar, tan tangible que es casi nuestro. Y así era Felicity, nuestra Felicity, esa chica que vivía tan cerca de nosotros. Siempre me ha llamado la atención la querencia de Abrams por lo intimista a pesar de ser más identificado por su productos de acción. Así, “Felicity” es su máximo exponente de lo íntimo y más personal.

Uno de los fallos más habituales en JJ es el cambio de perspectiva repentino, pues todos sus proyectos acaban pecando de cambio injustificado e indefinición: “Alias” (tema Rambaldi, tema Irina, tema Sloan), “Lost” (tema número, tema otros, tema TODO). Mientras que en los otros proyectos, estos giros se pueden esconder tras misterios y tramas complicadas, en “Felicity” lo que se cambiaba eran las actitudes y los sentimientos, con lo que la coherencia del relato se veía comprometida constantemente. Felicity fue Felicity solamente una temporada. Después era otra cosa.

Tras un final de primera temporada angustiante (sentimentalmente), en la segunda temporada nos vamos distanciando de los personajes progresivamente, debido a sus profundos cambios. Todo acto tiene sus consecuencias pero que Felicity (Keri Russell) se cortase el pelo, Noel (Scott Foley) se volviese un gilipuertas integral y que Ben (Scott Speedman) volviese a cambiar de opinión, fueron demasiadas variaciones en nuestras livianas vidas, y la audiencia se resintió.

Entiendo que JJ es un genio al que le gusta probar cosas nuevas, pues lo genios se aburren, pero corren el peligro de rozar el absurdo. Aunque ahí radica la genialidad, en la efímera línea que separa lo arriesgado de la locura. En mi opinión, la serie alcanzó su cúlmen del absurdo en el capítulo 9 de la segunda temporada, llamado “Ayuda para enamorados”. Un capítulo en blanco y negro, homenajeando a “Twilight Zone”, donde todos los personajes se trasladan en el espacio tiempo por un solo capítulo. (Recordad que no quiero ni comentar la última temporada). Es un gran ejemplo de la línea de la que os hablaba pues, mientras que a mí me parece una adulteración ominosa de la serie, a mi amigo Juanjo le parece una perla de genialidad.

Una de las grandes bazas de la serie siempre fue, como no, la tensión sexual, que comenzó como una obsesión, se convirtió en trío, acabó siendo un on-and-off-again entre Ben y Felicity e introdujeron elementos extraños, a veces hasta límites inverosímiles, hasta la cancelación de la serie. Y no diré como acaba, porque implica viajes en el tiempo y ya he dicho que de la última temporada prefiero olvidarme.

Podría hablar de la serie hasta la saciedad y no pararía de encontrar cosas nuevas que comentar, aunque me gustaría terminar apuntando una de las grandes injusticias que cometió la serie con tantas variaciones e improvisaciones. Noel Crane es el personaje más maltratado por los abruptos cambios argumentales de la historia de JJ Abrams en televisión. ¿Qué era toda esa mierda de Noel – LEON? No puedo parar…

Las de nuestra generación nos lo sabemos de memoria… ahí que voy: traje una sandía, qué frase tan original, vuelve a tu cuna, baby, no permitiré que nadie te arrincone, mira todas estas sobras, ¿aún quedan niños hambrientos en África?.

Frak, ¡acabo de recordar que la madre de Baby es la madre de Lorelai!

Ya me he recuperado.

Sí, esto es Dirty Dancing: guión demencial y actuaciones mediocres, pero el hit del verano del 87 y, debo reconocerlo, la primera vez en mi vida que pensé Oh Dios Mío (a buen entendedor pocas palabras bastan).

Al año siguiente, y aplicando la teoría del caballo ganador, la CBS se lanzó a la emisión de una serie basada en la película. Baby (Melora Harding) ya no era hija del médico sino la princesita del dueño del hotel, que así le da más morbo al asunto. El profundo papel de Johny (Patrick Cassidy) no cambia, dejando intacta la imagen de macho chulito follador de los graneros que baila que te cagas, aunque no puedo dar fe de ello pues mi recuerdo de la serie es fugaz. Sí he leído, lo cual no sé si me tranquiliza o me inquieta, que Kenny Ortega coreografió los bailes. 10 capítulos y a otra cosa mariposa.

Dirty Dancing 2 Havana Nights (2004). No voy a perder el tiempo con esta, que ya nos pilló mayorcitas y con juicio suficiente para asumir que su único aliciente es Diego Luna (un aliciente importante, by the way).

Dirty Dancing, el reality (2006). De la mano de We 18 muchachitas amanecen en una especie de Camp Cucamonga del baile dispuestas a que seis instructores calientes las hagan sudar. Only one will have the time of her life (¿Y también se beneficiará al instructor?). Ala, mirad la promo y juzgad por vosotros mismos.

Y acabo proponiéndoos que os paséis por el trivial de la página de We, donde comprobaréis cómo habéis quedado de afectados por la película (yo mucho, lo estoy viendo).

“Sports Night” fue la primera incursión de Aaron Sorkin en el mundo de la televisión. Todo y que su idea inicial era para un guión cinematográfico, le costaba tanto hilvanar las historias que decidió que la naturaleza episódica de la pequeña pantalla le ayudaría.

“Sports Night” es un programa de deportes ficticio en una cadena ficticia. Pero, ¿realmente importan los deportes en la serie? Para nada. Pues la serie realmente va de las relaciones entre sus personajes y la relación que tienen estos, a su vez, con la ética y la moral trabajando en televisión. Los dos presentadores del programa son Dan Rydell (Josh Charles) y Casey McCall (Peter Krause). Josh Charles interpretaba a Knox Overstreet, uno de los alumnos de Robin Williams en “El club de los poetas muertos” y Peter Krause es mucho más conocido por su papel de Nate Fisher en “A dos metros bajo tierra”, aunque conoció a Aaron Sorkin haciendo de camarero en New York.

Detrás de las cámaras encontramos a la productora del programa, Dana Whitaker (una Felicity Huffman pre-“Mujeres Desesperadas”), quien tiene una relación constante de amor-odio con Casey desde 15 años atrás, y sus dos productores adjuntos Jeremy Goodwin (Joshua Malina, recuperado por Sorkin en “El ala oeste de la Casa Blanca”) y Natalie Hurley (Sabrina Lloyd), quienes a su vez tienen una relación amorosa un tanto peculiar. Por encima de todos ellos, encontramos a su jefe, Isaac Jaffe, un Robert Guillaume siempre en su línea, al que supongo que recordaréis por la mítica “Benson”.

La serie sufrió mucho intentando conseguir una audiencia fiel, pues su humor basado en los diálogos no pegaba del todo con la comedia de situación a la que están acostumbrados los americanos y la ABC decidió cancelarla. Y a pesar de que cadenas más arriesgadas en sus propuestas como HBO o Showtime le ofrecieron a Sorkin un espacio en sus parrillas, este declinó las ofertas para centrarse en su nuevo proyecto y más exitoso hasta la fecha: “El ala oeste de la Casa Blanca”.

A pesar de que la primera temporada de “Sports Night” está planteada como una sitcom, poco a poco se fue notando el sello comi-drama representativo de Sorkin, que intentaba que el humor de la serie fuese más duro y realista que en las típicas sitcoms. Los diálogos de la serie son fuegos cruzados que ocultan más significados de los que las meras palabras puedan representar. La ABC le obligó a poner risas enlatadas al principio, pero poco a poco Sorkin consiguió que fuesen reduciendo el volumen, hasta que en la segunda temporada, estas risas desaparecieron del todo.

En su proyecto más nuevo, la próxima “Studio 60 on the Sunset Strip”, recuperarán el rollo backstage de “Sports Night”, quizá esta vez más drama-comi que comi-drama, pero con la gran baza de tener de protagonistas a Matthew Perry y Bradley Whitford. En principio, la NBC estrena esta pequeña maravilla en potencia el 18 de septiembre, así que stay tuned.

p.s. En la e-burra sólo he encontrado 10 episodios en español, así que algún alma caritativa quiere hacerme feliz podría facilitarme los demás. Ya veis que soy de fácil contentar.

Se puede saber ¿por qué narices las autonómicas compran series que saben que han sido canceladas? Hacen que la gente se encariñe con algo que no van a poder ver nunca más. Que groseros. Pues eso es lo que me pasó con “Class of ’96” un caluroso verano de mi juventud. ¡Me enganché a una serie que sólo tenía 17 episodios! El capítulo piloto se emitió en enero de 1993 y en mayo la cancelaron antes, siquiera, de acabar la temporada. A esta serie se la conoció entre los críticos como “Cancelled in ‘93”. Y lo peor es que pasé mucho tiempo de mi vida pensando que me había perdido muchos capítulos de algo que nunca sucedió. Irónicamente, el último episodio emitido fue titulado “See you in September”. Encima con cachondeo.

En “Class of ’96” seguíamos las peripecias de un grupo de 7 jovenzuelos de diferentes estratos sociales, estudiantes de la ficticia Havenhurst College en Nueva Inglaterra, a quienes las circunstancias les fuerzan a ser amigos. Sus historias cotidianas reflejaban sus luchas con las diferencias, tanto sociales como personales, combinado con lo chungo que es el primer año de universidad, todo mezclado con un poco de rollo social con temas como el racismo o el sexismo. La idea, si no la hubiesen cancelado, era haber seguido sus historias durante los cuatro años de universidad.

El protagonista era David Morrissey (Jason Gedrick), el típico tío pobre que es el primero de su familia que va a la universidad y allí se encuentra con todos los ricachos y, claro, se lleva un shock el pobre. El compañero de habitación de David era Samuel “Stroke” Dexter (Gale Hansen), un tío divertido que siempre estaba buscando la manera de ganar pasta con sus bussines. La otra cara más conocida, a parte de Gedrick, es la de Lisa Dean Ryan (siempre recordada como la novia de Doogie Howser) que interpretaba a Jessica Cohen, una judía rica con cara de buenecita enamorada completamente de David. Jessica tenía dos compañeras de habitación, Patty Horvath (Megan Ward) que era la típica niña pija hija de actriz que no le hace puñetero caso y, por consiguiente, es una rebelde descerebrada aspirante a actriz; y Robin Farr (Kari Wührer) la tía buena pelirroja con la que David se acaba liando a parte de con Jessica (mamón). Completaban el reparto Whitney Reed (Brandon Douglas) como un niño rico agobiado por su padre para que siga la estela familiar (hasta le obliga a dormir en el mismo cuardo en el que durmió él) y su compañero de habitación, Antonio Hopkins (Perry Moore), un negro que viene del ghetto con una beca de superstar del baloncesto.

Yo estaba enamorada de Whitney (siempre me han ido los rubios), aunque me fallaba que era un espíritu débil e iba por el mundo hecho polvo porque su padre le trataba con una mierda. Una imagen que me persigue recurrentemente es la de Whitney llorando borrachuzo perdido, sintiéndose ignorado por sus padres, al son de “Losing my Religion” de los R.E.M. Eso sí que lo tenía esta serie: una banda sonora bien elegida, encabezada por la canción de la carátula, con la que os dejo ahora mismo para que sigáis con el rollo nostálgico al que os tengo acostumbradros, “These Are Days” de los “10,000 Maniacs”.

“Young Americans” fue ideada como un spin-off sui géneris de “Dawson’s Creek”, pues el protagonista, Will Krudski, apareció tres capítulos al final de la tercera temporada, como estudiante de Capeside que interacciona con las hormonas de los protagonistas. Su patrocinador oficial era Coca-Cola y todo apuntaba a que sería la gran revelación veraniega pero duró sólo 8 episodios, más un noveno nunca emitido.

¡Narices, era muy buena! Will Krudski (Rodney Scott), era un tío pobre pero muy inteligente que era aceptado en Rawley Academy con una beca de estudios. Evidentemente Rawley era un sitio super pijo con niñatos hijos-de-puta y con equipo de remo y todo. Scout Calhoun (Mark Famiglietti), el compañero de habitación de Will, era un chaval rico del una familia tipo Kennedy, que estaba enamorado la amiga de la infancia de Will, la pueblerina Bella, interpretada por una entonces desconocida Kate Bosworth (la nueva Lois Lane y novia de Orlando Bloom). Después estaba el hijo del director, Hamilton Fleming (el primer papel que tuvo Ian Somerhalder en la televisión), un tipo rebelde, ¿cómo iba a ser sino el hijo de un director de escuela? Pues como en Los Serrano. Este guaperas empieza a dudar de sus tendencias sexuales cuando conoce a Jake, un nuevo alumno motero, sin saber que, en realidad, es Jaqueline Pratt (Katherine Moennig), una tía loca que quiere demostrarle al mundo que les puede colar el gol haciéndose pasar por un hombre.

En el último episodio emitido, llamado “Will, Bella, Scout and her mum”, los protagonistas se van en busca de la madre de Bella, la cual la abandonó cuando ella era una niña y ahora quiere preguntarle cuatro cosas. Para más inri, cuando Bella está a punto de enrollarse con Scout descubren indicios de que pueden ser hermanastros (¡incesto!) pues el padre de él se tiró a la mamá abandonadora de hogares. Y como cancelaron la serie, pues yo tampoco me he enterado de si estaban a punto de fornicar dos hermanos. ¡Mierda!

Ah, lo que sí que solucionaron es el tema del me-creo-que-soy-gay con la travesti pues al final le confiesa que tiene tetas y el otro la acaba perdonando, porque tiran más dos tetas que dos carretas.

Y, además, nos dejaron con la miel en los labios creyendo que volverían, pues, en el último capítulo que vimos, no sabemos si van a expulsar a Will de Rawley o no, pues el muy listo había hecho trampas en los exámenes para ser aceptado. La serie se acaba con su profe preferido (un tipo rollo oh capitán, mi capitán) pegándole los papeles de matriculación en el espejo de su cuarto. Hostia, encima ahora había ligado con una niña pija muy mona y se iba a estrenar… Está claro que aún estamos esperando. Hay foros por ahí donde la gente aún tiene fe de que vuelvan.

Por cierto, el creador de la serie es ni más ni menos que Steve Antin. ¿Qué quién es? Pues este tío es el que hacía de Troy, el pijo cabrón de los “Goonies” que arrastra a Bran con su coche y después le estalla un WC en el culete mientras estaba haciendo faena.

Si queréis ver un poco de qué iba la serie, os dejo con el primer capítulo que he encontrado por el gran YouTube, porque la pena es que, aunque la busques en el e-mule, sólo la encuentras en inglés y eso que aquí la emitieron las autonómicas.

Bastaron 19 episodios para hacer de “My So-Called Life” (“Es mi vida”) una serie de culto y uno de los mayores exponentes de injusticias televisivas al no llegar al episodio número 20. ¿Recordáis a una jovencísima Claire Danes y a un Jared Leto con pinta de adolescente atormentado? Eran los protagonistas de esta serie, estrenada en 1994 con el objetivo de mostrar una mirada al mundo adolescente alejándose del fenómeno “Sensación de Vivir”.

Remontémonos a principios de los 90. La serie “Thirtysomething” (“Treintaitantos”) había tenido tanto éxito que la ABC quiso asegurarse la futura colaboración de sus productores (Ed Zwick y Marshall Herskovitz), así que firmaron un contrato para producir tres pilotos en 5 años.

Zwick y Herskovitz se pusieron en contacto con Winnie Holzman que ya había trabajado como guionista en “Thirtysomething” y en “The Wonder Years” (“Aquellos maravillosos años”). Juntos decidieron corregir la imagen superficial y distorsionada que se había estado dando en televisión de los adolescentes creando una serie con gente normal y problemas normales. Dicen, incluso, que Holzman visitó de forma encubierta varios institutos para recopilar información.

El resultado es la historia de Angela Chase (Claire Danes), una joven que, con 15 años y en plena crisis adolescente, se separa del tradicional círculo afectivo del entorno de clase media que ha marcado su infancia para unirse a un extraño grupo formado por Rayanne Graff (A.J. Langer), una chica con problemas con la bebida, y Rickie Vasquez (Wilson Cruz), un joven homosexual procedente de una familia desestructurada.

Con el pelo recién teñido de naranja en señal de su nueva adquirida rebeldía, Angela entra en una dimensión en la que se topa, y mucho, con otro outsider: Jordan Catalano (Jared Leto), el chico guapo con aire de peligroso. El triángulo lo completa el vecino de Angela, Brian Krakow (Devon Gummersall) que personifica la vida anterior de Angela y, por supuesto, que está completamente enamorado de ella.

Con el piloto ya grabado, “My so called life” tuvo que esperar un año a que la ABC le encontrase un lugar adecuado en la parrilla de programación. Cuando por fin se emitió el piloto, el 25 de agosto de 1994, la serie tuvo buenas críticas, pero nunca logró escapar de la cuerda floja. Tras 19 capítulos la ABC la canceló generando entre los fans uno de los mayores movimientos anti-cancelación que se había visto hasta el momento.

Después de esto, los creadores emprendieron otros proyectos, entre los que destaca “Relativity”, donde se apartan los problemas de la adolescencia para centrarse en los de los veinteañeros. Por cierto, si veíais la serie quizás recordareis que Devon Gummersall también salía, en el papel de hermano pequeño del protagonista. Aunque si os apetece, dedicaremos un post entero a esta serie.

Pues sí, me quita el sueño pensar que quizá nunca llegue a España esta serie y que si me da por comprarla en Zona 1 me costará 100 Euros. Os explico de qué va a ver que os parece:
1934, tiempos de la Gran Depresión en el Medio-Oeste Americano. Un chaval llamado Ben encuentra refugio en un inquietante circo ambulante nutrido de toda suerte de extraños personajes: la tarotista gitana, su madre telequinética, un mentalista (tipo Anthony Blake), la mujer barbuda, las gemelas siamesas, la encantadora de serpientes y el enano, entre otros. El dueño de este circo es un misterioso hombre (al que nunca se ve, tipo “Charlie’s Angels”) tiene planes especiales para manipular al joven Ben pues este posee un don oculto: puede sanar a los tullidos y resucitar a los muertos (por el modesto precio de otra vida).

Para más inri, el pobre sufre sueños proféticos compartidos con alguien a quien no conoce: un pastor metodista, el hermano Justin (con la iglesia hemos topado). El tal hermano Justin convencido de que sigue los designios divinos empieza a practicar sus curiosos talentos (ver en las almas ajenas combinado con poderes ilusionistas y telequinéticos), pero lo que él piensa que hace por el bien le conducen a preocupantes consecuencias. Ben y Justin se verán envueltos en un súper conflicto apocalíptico del Bien contra el Mal, aunque no sepamos cual de los dos hace el bien y cual hace el mal. Y claro, en ellos está el destino de la humanidad. ¿Lo dudabais?

Los papeles de Ben Hawkins y el hermano Justin están interpretados por Nick Stahl y Clancy Brown , respectivamente.
Nick Stahl es conocido por ser el sucesor de Eduard Furlong en el papel de John Connor en “Terminator 3” y últimamente le has podido ver en “Sin City”.
Clancy Brown acostumbra a hacer de malo en casi todas las películas que aparece debido a su inquietante aspecto y a su imponente voz. Es esta tremenda voz la que le ha llevado a ser uno de los actores de doblaje (normalmente dibujos animados y videojuegos) americanos mejor considerados.

De momento sólo se han hecho 2 temporadas y aún se está discutiendo si hacer la tercera (hay varios grupos consagrados a salvar el show dirigiendo toda clase de amenazas a los responsables de la cadena). Me parece que el problema es que la HBO no está dispuesta a seguir gastando 2 millones de USD que costaba cada episodio. El creador es Daniel Knauf, y ya está metido en otro proyecto televisivo paranormal “Supernatural”.